世界十大音乐制度（世界十大音乐制度是什么）

世界音乐的三大体系是什么?

瑞士的达尔克罗兹音乐教育

著名的瑞士作曲家、音乐教育家爱弥儿雅克·达尔克罗兹(Emile Jaques-Dalcroze)创立了20世纪最早的音乐教育体系。这个已有将近上百年历史的音乐教育体系对20世纪后来相继出现、形成的各种音乐教育改革的思想、体系都具有深远影响。达尔克罗兹方法能教给孩子们理解复杂的韵律。听到音乐时，孩子们会随着节奏起舞。通过统一调动其视觉、听觉、感觉，并随音乐而动，孩子们会得到完整的音乐体验，同时孩子们还需要集中注意力和记忆力。达尔克罗兹的教育原则也构成了柯达伊教学法、奥尔夫教学法的基础。

达尔克罗兹还强调即兴活动在创造性音乐教育活动中的重要性。即兴活动是即时作出音乐表现、音乐判断的创造性音乐行为。在即兴创作或表演中，不仅需要具有一定的音乐表现力，还需要有丰富的想象力、灵敏的反应能力和流畅的音乐思维。要对同时出现的音高、节奏、音色、力度等问题给以权衡和处理，其中最重要的是听觉判断、灵敏性和创造性。这项学习内容体现了音乐学习的本质，也体现了音乐教育对人类最高层次的能力——创造性能力培养的作用。

今天的即兴创作已不仅仅是在钢琴上的即兴作曲，它已经成为利用各种教学手段、伴随音乐学习的各个环节、整个过程，培养想象力、创造性的教学实践活动。即兴的音乐活动可以始自孩子音乐学习的第一天。活动中，成人要善于启发、诱导，使孩子进入状态、引发兴趣，最终使他们能够出于自发、自然的情绪创造出自己的想象、表现，这是即兴音乐活动的目的。从实践中可以看出，即兴的音乐活动在孩子音乐潜能开发训练中具有无限广阔的发展前景。

匈牙利的柯达伊音乐教育

佐尔丹·柯达伊(Zoltan Kodaly，1882-1967年)匈牙利著名作曲家、民族音乐家、音乐教育家，以他的名字命名的“柯达伊教学法”是当代世界影响深远的音乐教育体系之一。他的教育体系有深刻的教育哲学思想，有高标准的艺术、审美要求，并且探讨了一系列音乐教育观念和实践中的根本问题，例如，艺术教育与人的自身成长、发展的关系；音乐文化在全部知识文化中的作用；民族民间音乐在音乐教育中的意义；继承本民族传统与学习人类艺术文化的关系；如何借鉴前人的、国外的传统等等。柯达伊在几十年中为不同程度孩子所写的上千首歌唱、读谱练习，在匈牙利被称为“黄金储备”。从60年代起，这种教学法迅速地传播，遍及欧洲、美洲、亚洲、大洋洲的许多国家。他的教育思想、教学原则对于世界各地的音乐都产生了巨大的影响。其教学法主要内容是首调唱名法、柯尔文手势、节奏唱名、节奏和唱名的简记法。

匈牙利的学校开展音乐课教育已有久远的历史，近百年来其音乐教育理论与实践普遍采用了柯达伊教学法。他们的音乐程度广博而精细，因为匈牙利人认为音乐是孩子教育的灵魂与核心。在常规学校里，孩子们每周都有两次音乐课，音乐学校里，每天都有音乐课，孩子们有机会学习一种乐器。音乐课程同样也包括倾听、即兴创作、识谱等等。匈牙利的教育工作者们坚信，音乐与数学、自然科学有着直接的内在的联系。他们相信，音乐对孩子们的逻辑性和批判思维有所帮助，学习音乐的过程能够发展完整的人格。因此，也取得了较大的成就。

德国的奥尔夫音乐教育

奥尔夫音乐教育体系由德国作曲家卡尔·奥尔夫(Carl Orff，1895-1982)创建。奥尔夫音乐教育倡导元素性的音乐思想。他认为元素性的音乐决不只是单独的音乐，而是一种融合音乐、舞蹈、语言为一体的整体的艺术。通过这些整体的艺术活动，加上鼓、木棰、木块以及钟等节奏感强的乐器，孩子们学会了音乐结构，以及如何保持同一个节拍。这种方式是团队体验，孩子们通过歌唱、游戏、合韵脚、跳舞等活动学会了参与团队工作。



奥尔夫体系中最突出、最重要一项就是即兴的原则。奥尔夫认为即兴是最古老、最自然的音乐表现形式，是情感表露的最直接的形式。奥尔夫的教学活动通过孩子的积极参与和唱奏实践，以即兴活动形式发展孩子的音乐体验、尝试创造音乐的能力。

奥尔夫强调了音乐教育所应重视的是创造过程对人的影响和审美经验给人带来的感受、体验。这正是和专业音乐教育的区别。在音乐创造性活动中没有对错，而是能够使他们体验到发现、探索的乐趣，成功的喜悦，表达了自己的独创、个性，丰富了自己的经验。在采用创造性活动的研究中我么也发现，凡是能够自由地表达、表现自己，情感得到充分宣泄的孩子，他们容易解脱心理的紧张压力，获得情感的自由和对环境的适应能力。而这会给他们带来终生的快乐、自信和成功。这也是柯达伊与奥尔夫的创造性音乐活动给我们带来的最有价值的启示。

奥尔夫的元素性思想使音乐真正回归于人的本性的追求。奥尔夫的家乡是德国，因此，许多教学活动是以他家乡的语言、童谣、谚语，民歌和舞蹈为基本教材的。他提出每个不同的民族和地区都应采用这种方式。看来两者都是很注重民族民间音乐的运用的。目前国内有许多幼儿园采用奥尔夫音乐教学。

全球十大音乐节

全球十大音乐节如下：

格拉斯顿伯里音乐节（Glastonbury Festival）

地点：英国阿瓦隆岛

时间：6月底

Glastonbury音乐节是世界上规模最大的露天音乐节，每年吸引了超过10万乐迷前来观看，是世界上许多乐迷心中的“朝圣圣地”。

雷丁利兹音乐节（Reading and Leeds Festival）

地点：英国雷丁、利兹

时间：8月

Reading and Leeds音乐节与Glastonbury音乐节并称英国夏日两大音乐盛事，每年8月，音乐节会在雷丁和利兹两城同时举行。

科切拉音乐节（Coachella Valley Music and Arts Festival）

地点：美国加州

时间：4月

每年4月末，全美国的乐迷和嬉皮士都会涌向加州印第欧，因为这里有传说中的“臭嬉皮士圣地”——Coachella音乐节。

Lollapalooza音乐节

地点：美国芝加哥

时间：8月

Lollapalooza音乐节以丰富多样的阵容而出名，登上过Lollapalooza舞台的包括Coldplay、Red Hot Chili Peppers、Arctic Monkeys、The Killers等。

西南偏南音乐节（SXSW）

地点：美国德克萨斯州奥斯汀

时间：3月

每年在西南偏南音乐节上，有超过2200组表演者和乐队在超过100座音乐会场中进行表演，这一数目看起来就已经很惊人了。

Roskilde音乐节

地点：丹麦哥本哈根

时间：7月

北欧人对摇滚乐、金属乐的狂热是众所周知的，而在丹麦哥本哈根举行的Roskilde音乐节更是名列欧洲四大摇滚音乐节。

Summer Sonic音乐节

地点：日本东京、大阪

时间：8月

在东京和大阪两地同时举行的Summer Sonic音乐节可以说是全球范围内最舒服的音乐节。

富士摇滚音乐节（Fuji Rock Festival）

地点：日本新泻县

时间：7月下旬、8月上旬

富士摇滚音乐节与Summer Sonic音乐节是亚洲最为著名两大音乐节。坐落于森林覆盖的丛山之间，富士摇滚音乐节与城市感十足的Summer Sonic音乐节截然不同，充满了大自然的氛围，与舞台上的摇滚乐奇妙地结合在一起。

Laneway音乐节（St Jerome's Laneway Festival）

地点：澳大利亚、新加坡、新西兰奥克兰

时间：1月

与其他音乐节不同，Laneway音乐节是一个跨国的系列音乐节，不同阵容的乐队们会来到新加坡、澳大利亚墨尔本、悉尼等地，献上独一无二的体验。

Big Day Out音乐节

地点：澳大利亚悉尼、墨尔本、阿德莱德、黄金海岸和新西兰奥克兰

时间：2月

Big Day Out音乐节往往是很多乐队拉开澳大利亚和亚洲巡演，甚至是新一年巡演计划的前奏。

世界三大优秀音乐教育体系分别为

蒙台梭利、福禄贝尔、奥尔夫音乐。

1、蒙台梭利（Montessori）教学法是由意大利教育家玛莉亚·蒙特梭利博士倾其毕生经历所创造的。其教学法的精髓在于培养幼儿自觉主动的学习和探索精神。在蒙氏教室里，有丰富多彩的教具，它们都是根据儿童成长发展敏感期所创立的适宜儿童成长的“玩具”。

蒙台梭利教学内容包括日常生活教育、感官教育、数学教育、语言教育、科学文化教育等内容。孩子通过自我重复操作蒙氏教具创新建构完善的人格，在自由操作中得到了多方面的能力训练。

2、弗里德里希·威廉·奥古斯特·福禄贝尔（德语：Friedrich Wilhelm August Fröbel，1782年4月21日－1852年6月2日），德国教育家，被公认为是19世纪欧洲最重要的几个教育家之一 。现代学前教育的鼻祖。

他不仅创办了第一所称为“幼儿园”的学前教育机构，他的教育思想迄今仍在主导着学前教育理论的基本方向。福禄贝尔的教育思想与实践对世界各国幼儿教育的发展起到深远的影响。

3、奥尔夫音乐教育体系是当今世界最著名、影响最广泛的三大音乐教育体系之一。在奥尔夫的音乐课堂中，孩子们有机会进入丰富的艺术世界，音乐不再仅仅是旋律和节奏，而是与儿歌说白、律动、舞蹈、戏剧表演甚至是绘画、雕塑等视觉艺术相联系。

他们可能在老师的引导下去关注特定的一个声源，去倾听，辨别，想象来自生活和自然界的不同的声音。

有哪些世界著名的音乐教育体系

世界知名的音乐教育体系：瑞士达尔克罗斯、德国奥尔夫、匈牙利柯达伊、台湾美育。其中台湾美育儿童音乐教学体系是适合华人儿童的音乐教育体系。

以上音乐教育体系都注重培养孩子的音乐素养、对音乐的兴趣，倡导快乐快乐乐，学习音乐！美育音乐的教学观点：“快快乐乐 成就音乐 ”心中的喜悦是儿童健康成长最重要的因素，也是我们融入音乐的最佳方式。

全球重要的音乐奖项有哪些？

朱诺大奖

钻石奖

蒙特卡罗世界音乐奖

英国最著名的音乐奖项“水星音乐奖”

格莱美音乐奖

HITO流行音乐奖

CMA乡村年终奖

Billboard音乐大奖

MTV亚洲音乐大奖

MTV欧洲音乐奖

全美音乐奖

扩展资料：

格莱美是英文“格拉姆风”（留声机）的变异谐音。以它命名的音乐奖迄今已有40多年历史，其奖杯形状如一架老式的留声机。

1957年，美国洛杉矶一批音乐人和唱片公司管理人员倡议成立一个代表音乐制品艺术和科学的机构，并通过这个机构鼓励有才华的音乐家、歌手及幕后音乐制作人员。美国国家录音艺术与科学学会（简称录音学会）及名为格莱美的音乐奖因此诞生。首届格莱美音乐奖于1958年颁发，以后录音学会每年举行一次颁奖仪式，奖项也由最初时的26项增加到28大类共101项。

格莱美音乐奖虽然是美国唱片行业中的奖项，但它如今已经成为世界范围内最具影响力的音乐大奖之一。音乐界的格莱美就如同电影界的奥斯卡一样，虽然毫无疑问地打上了美国文化的印记，但世界各地的多数音乐人仍以能够捧得这架老留声机为荣。

格莱美所以能够为世界音乐人津津乐道，除了美国一直是全球流行音乐的中心、代表了流行音乐的较高水平外，还有以下三个原因。

首先是它的权威性。美国录音学会是一个由众多资深音乐人组成的机构，已在美国各地设置了12个地区分会和一个制作人与工程师分会，目前会员超过万人。歌唱家、演奏家、词作者、作曲家、指挥、摄影、解说词作者以及音乐录像片制作人等15类专业人员均可申请担任评委，但只有那些至少已有6件作品出版发行的人才有资格担任此职。没有真才实学和对音乐事业缺乏执着追求的人一般是进不了评委会的。由如此众多资深专业人士组成的评委会理所当然地会受到音乐爱好者的信任。

其次是它的公正性。格莱美音乐奖的评选有一套十分严格的制度和程序。被推荐的作品必需选自当年。作品推荐上来后，首先要经过来自音乐界各领域的 150多名专家筛选和资格确认，而后进行分类。除需由特别提名委员会投票的作品外，初选合格的作品要全部送交评委进行第一轮投票。但每个评委只能从其中挑选自己专精的9项进行投票，当然他们还要投票选出当年的年度唱片、年度专辑、年度歌曲和年度新人4个奖项。初评后的名单再交评委进行第二轮投票，每个评委的投票权除4个基本奖外，只能选择8个奖项进行投票。这些严格的措施有效地保证了评选的公正性。

第三是它广泛的影响性。格莱美奖问世之初并没有多大名气，是电视帮了忙。电视不仅将格莱美原本刻板的颁奖仪式变成了丰富多彩的音乐节目，还通过向全球直播极大地提高了格莱美音乐奖的国际知名度。大量欧美歌坛巨星登台献艺，加上美国人擅长运用的舞台艺术和技术手段，更使格莱美的颁奖仪式成了风靡世界的娱乐活动。今年2月举行的第44届格莱美颁奖晚会就吸引了全球170个国家的约17亿观众收看。格莱美颁奖仪式走向世界为格莱美音乐奖成为全世界音乐人广泛接受的一个奖项立下了汗马功劳。

格莱美获奖作品显然不是少数人炒作或唱片公司自吹自擂的产物，而是经过专家和严格程序评选出来的。这些作品本身的高质量加上电视的渲染在使获奖者走红、唱片热卖的同时，也实实在在地起到了领导音乐潮流的作用。另一方面，评委们也是消费者，自然也会受到市场的影响，热卖唱片、走红歌手、流行电影歌曲当然也最容易走进他们的视野。

除格莱美音乐奖外，美国录音学会还先后设立了终身成就奖、董事会奖及格莱美荣誉殿堂，以表彰有杰出成就和长久历史价值的人物和作品，其中也包括那些不在格莱美评选范围内的人士和被历史埋没了的人物，比如黑人歌唱家罗伯逊就在他逝世22年后于1998年获得了终身成就奖。美国录音学会还积极参与诸如唱片商标立法、知识产权保护、打击盗版、数码音乐下载诉讼等涉及唱片企业和个人权益的事业，并积极倡导艺术交流和音乐教育，格莱美基金会还为有困难的音乐人提供帮助，支持年轻人加入音乐人行列。